jueves, 12 de enero de 2012

Lana del Rey | Dos nuevas canciones, la estrategia continúa


Como si una partida de Risk se tratase, el sello de Lana del Rey está desplegando una estrategia que puede con todos nosotros. A cuentagotas vamos conociendo las canciones que compondrán “Born to Die”, su disco de debut. Ya han soltados dos nuevas canciones, National Anthem y This Is What Makes Us Girls.


Lana del Rey - National Anthem


Lana del Rey - This Is What Makes Us Girls

La lista de mejores de PlayGroundMag

PlayGroundMag nos ha pasado su lista de mejores discos internacionales. Sinceramente, no le hubiesemos dedicado un post si no fuera porque creemos que complementa la  que publicamos nosotros hace unas semanas. Se han atrevido a clasificar, desde el puesto 15 al mejor del año, no como nosotros, pero con un empate técnico en el número uno. Nos han descubierto artistas y se han acordado de discazos como “Eye Contact” de Gang Gang Dance o “Ravedeath, 1972” de Tim Hecker, algunos de los grandes olvidados en nuestra lista.
Además acompañan con unas críticas la mar de sentidas. Para tomar nota.
15. AraabMUZIK: “Electronic Dream” (Duke) |
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Que nadie vea este álbum como un capricho, una boutade o una freakada anecdótica. Ni siquiera como una colección de remezclas o una ridiculización de las fuentes originales –aunque la comunidad pastillera se haya echado las manos a la cabeza ante tamaña profanación–. “Electronic Dream” es la resolución de una ecuación imposible en nuestra cara. El trance épico, el dance comercial, el hardcore poligonero y la cyberdelia seborreica no se crean ni se destruyen, se transforman… en hip hop oscuro, seboso y dañino. Sonidos inofensivos y ridiculizados hasta la saciedad son, en Araabmuzik, cócteles molotov con clavos envenenados. Y la enajenación nos depara obras maestras como “Free Spirit” –mi iPod la odia de tanto darle– o “Feelin So Hood”, brutal y satánica remodelación del “Feelin’ So High” de Starchaser. Me inclino. Óscar Broc | Publicación original

14. Gang Gang Dance: “Eye Contact” (4AD)


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Partiendo, como lo hacen, de improvisaciones, es impresionante que el resultado en “Eye Contact” tenga un aspecto tan pop, aunque solo sea en la superficie, ya que a pesar de los continuos ganchos melódicos, los temas de este disco escapan de la estructura tradicional de las canciones pop. Es evidente lo bien que se conocen los componentes actuales del grupo entre ellos, y esta es la causa directa de que cada uno de los temas, dentro de la flexibilidad de sus estructuras, parezca tener una irrefutable lógica interna. Así, lo más interesante del disco es comprobar cómo los temas fluyen y van creciendo en intensidad, cómo dialogan unos elementos con otros, y como estallan inevitablemente en deliciosos momentos de éxtasis. El ejemplo más obvio, claro, es el de “Glass Jar”, los once minutos con los que arranca el álbum desperezando al oyente y remitiendo a las excursiones cósmicas de los setenta. Iván Conte | Publicación original
13. Kuedo: “Severant” (Planet Mu)

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Al principio, encontré en la música de “Severant” una cualidad nostálgica, aunque esto es algo que se desprende más de la variedad de sonidos que dibuja Kuedo más que de una intención real por su parte. La música está construida, principalmente, a partir de bases de juke / footwork y rap sureño –patrones de percusión intensos, acelerones de hi-hat y síncopes que están entre lo maniático y lo estimulante– combinadas con melodías que utilizan sonidos envolventes de sintetizador que citan de una manera casi obvia a artistas como Vangelis. No es ninguna sorpresa, pues fue Vangelis quien compuso la banda sonora de “Blade Runner”. Son esos sonidos de sinte que encontramos en “Scissors” y “Truth Flood” tras múltiples escuchas repetidas, con su cualidad sonora intrínseca siempre evocadora de nostalgia, los que te ayudan a ver más allá de esas emociones obvias para llevarte a un paisaje mucho más “real” y bello. Laurent Fintoni |  Publicación original



14. Metronomy: “The English Riviera” (Because Music)

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En “The English Rivera” abundan saxos, maracas, teclados que suenan como guitarras y viceversa, falsetes al borde de la horterada (“Trouble”) y destellos de funk blanco. Todos los temas son fantásticos e imaginativos, tan eclécticos como meticulosamente ensamblados. “We Broke Free”, que suena tras escuchar el rumor de las gaviotas y de un oleaje cercano, no sólo presenta el paisaje invitándonos a entrar en el disco sino que parece decirnos entre líneas que estamos ante un nuevo amanecer para la banda. “The Look” es contagiosa como una gripe y “The Bay” un hitazo a la altura de los mejores Hot Chip. “Loving Arm” parece The Cure jugando al Tetris, la juguetona “Corinne” también se vale de ruiditos de videojuego para escribir su extraño ADN y “Some Written” recuerda a unos Penélope y Carlo de bajona en un hostalito costero. Al final, tras la galáctica “Love Underlined”, uno se queda con ganas de más, atrapado sin remedio bajo el influjo de un disco insaciable y muy bien cuadrado que les ha quedado redondo. CR | Publicación original

11. Oneohtrix Point Never: “Replica” (Software Records)


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Con “Replica” Daniel Lopatin se sacude cualquier posibilidad de estancamiento en su propuesta y ofrece una reinvención de su sonido. La emoción apuntada en los breves dos minutos de “Ouroboros” del anterior disco se convierte aquí en omnipresente. Así, el disco arranca con la calidez ambient cercana a la new age de “Andro” y demostrando una vez más su capacidad para crear pasajes sonoros capaces de evocar con fuerza paisajes geográficos, en este caso glaciales, desolados, en una suerte de revisión hipnagógica del romanticismo. Sobre estas placas de sonido helado planean los sintes y otros sonidos que hemos aprendido a asociar con Oneohtrix Point Never. Tras la calma inicial, el fondo sonoro empieza a agitarse con ruidos de diversa procedencia, hasta desembocar en una amalgama de ruido y percusión que enlaza a la perfección con el punto en el que lo había dejado al final de “Returnal”. IC | Publicación original




10. Clams Casino: “Instrumentals” (Type)



En los últimos meses se ha multiplicado de manera casi asfixiante la publicación de discos de beats abstractos –casi todos venidos de la colmena californiana; casi todos con la intención de aprovechar el camino abierto por FlyLo–, y esa cantidad ha ido en detrimento de la capacidad para sorprenderse y encontrar matices nuevos en una estética que sigue siendo a priori interesante, pero cada vez más fotocopiada. En cambio, Clams Casino activa los centros del placer instantáneamente, sus bases –sencillas en el fondo, con un delicado lecho de sintetizadores, leves cuerdas sintéticas y más melodía que caja de ritmo– son de las que inmediatamente ponen a circular las endorfinas al transportar, de una forma nada forzada, apuntes de dream pop, soundtracks, shoegaze y pop bucólico a sus tejidos oníricos. JB | Publicación original




9. James Blake: “James Blake” (Atlas-A&M)

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Si el primer álbum de James Blake funciona no es como un disco de dubstep. Más bien se presenta como un nuevo eslabón en esa tradición británica del soul blanco cruzado con la electrónica más inquieta del momento. Aunque la referencia más clara en este sentido es la del estadounidense Arthur Russell, debido al registro emocional sustentado en una voz inmediatamente reconocible, en la fisicidad del sonido y en los graves y silencios, también se pueden ver rastros de Robert WyattScritti Politti, ya que al igual que estos Blake ha salido de un contexto de exploración electrónica muy concreto –el sonido Canterbury y el post-punk, en los casos de Wyatt y Scritti Politti– para renovar las posibilidades del soul-pop desde una óptica más experimental. IC | Publicación original

8. Bon Iver: “Bon Iver, Bon Iver” (4AD)


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Si su debut es un disco de eminentes raíces folk, entroncado en la tradición de Neil Young y demás iconos del género, “Bon Iver, Bon Iver” es un álbum de banda que ya no tiene tan claras sus coordenadas estilísticas porque presenta una absorbente amplitud de miras que se resiste a la clasificación. Con la ayuda de un grupo en el que encontramos a personalidades como el saxofonista Colin Stetson o el guitarrista Greg Leisz, Justin Vernon echa mano de influencias del pop y del soft-rock de los 80, amplifica su paleta de recursos expresivos (instrumentos de viento, coros, algún arreglo electrónico, algún solo de guitarra, omnipresencia de teclados, producción cargada, intensidad percusiva, paisajes ambient), se desmarca con una secuenciación portentosa y da un giro irresistible a sus canciones. Cuando la opción cómoda, asequible, segura, pasaba por acogerse a los esquemas ya asimilados de su ópera prima, el de Wisconsin ha optado por el camino contrario, un sendero repleto de trampas y peligros, mucho más arriesgado, en algunos momentos incluso polémico –“Beth/Rest” no dejará indiferente, órdago de mucho cuidado–, que nos lleva a dos grandes conclusiones: hay mucha vida más allá de “For Emma, Forever Ago” y Justin Vernon no es un cantautor al uso. DB | Publicación original




7. Tim Hecker: “Ravedeath, 1972” / “Dropped Pianos” (Kranky)

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El sonido sale escupido de aquí como si fuera una bola de viento, nieve y fuego con infinitos matices, alturas y volúmenes, y golpea el oído –de hecho, todo el cuerpo– como si fuera un muñeco de trapo maltratado por un ejército de puños. No es un cañonazo, sino una ráfaga de ondas a presión propia de un arma del futuro. Esos sonidos son de todo tipo: están los característicos drones de ruido maligno propios de Tim Hecker –recordemos: antiguo aficionado al metal extremo–, están los paisajes gélidos de electrónica contemplativa y están los usos inadecuados de todo tipo de instrumentos convencionales. Guitarras, pianos, y sobre todo un órgano de iglesia: un juego de planos y contraplanos arrojados contra el cuerpo del oyente como si fuera una olla de sopa hirviendo, un alud de nieve o un haz de rayos láser. Otra obra mayor más en la producción de Tim Hecker, uno de los grandes talentos del ambient moderno. JB | Publicación original




6. The Roots: “Undun” (Def Jam)


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Si esto no es la banda sonora del gueto nada puede serlo ya. Y todo ello armado desde un prisma expresivo y creativo poco acomodaticio, una portentosa exhibición de talento sublimado al servicio de una idea: presentar con sencillez y naturalidad canciones extremamente complejas y elaboradas. “Undun” no sólo es el disco de hip hop más bello de 2011, también es un maravilloso acto de rebeldía, una anomalía sin parangón en el género en los tiempos que corren. En un momento en que se premia la inmediatez, las prisas y la explosividad del aquí y ahora, The Roots demuestran a todo el mundo que esto es un viaje de largo recorrido y que a veces necesitas haber grabado diez álbumes para dar con tu referencia más redonda y completa, sin un solo minuto de relleno o fuera de lugar, y con un dominio impecable y ejemplar de la emoción. Podemos interpretarlo como queramos –¿es un disco sobre la muerte o sobre la vida? ¿es una parábola sobre la actualidad social o sobre el estado del hip hop?–, pero sea cual sea nuestra lectura la conclusión debe ser exactamente la misma: agradecimiento eterno. DB | Publicación original


5. Balam Acab: “Wander / Wonder” (Tri Angle)

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El debut en LP de Balam Acab guarda algunas similitudes con Burial, o mejor dicho, con el efecto interior que sembraba Burial cuando se le escuchaba por primera vez y te dejaba el estómago hecho un ovillo y el corazón sobrecogido. Los parecidos son más espirituales que estéticos, abren una puerta a una dimensión parecida del sonido bello, aunque uno lo conseguía desde el dubstep y la larga tradición de la música rave inglesa y Balam Acab lo hace desde el R&B y el pop –eso sí, con un uso de las voces parecido y sin descuidar nunca el deslizamiento ambiental de los temas–. El signo distintivo de Balam Acab, el tipo de música que le hace único, se aprecia sobre todo en “Motion”, una fantasía soul –con generosos juegos malabares de cuerdas– inundada en ambient acuático por la que flotan trenzados vocales que antes encontrábamos en TLC o Aaliyah. Momentos así indican que en su educación musical debe haber muchas horas de radio escuchando las emisoras de hip hop y tomando nota de esas gargantas de azúcar y las bases de inclinación más futurista. Pero eso es sólo una parte del admirable conjunto que es “Wander / Wonder”, pues cualquier estilo o límite queda diluido entre una asombrosa inundación de texturas. JB | Publicación original




4. PJ Harvey: “Let England Shake” (Island)


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“Let England Shake” es un disco político, pero a la ‘Harvey manera’. En sus versos hay referencias a la Primera Guerra Mundial, a los nacionalismos, a los tiempos históricos de Entreguerras, al desastre de Galípoli de 1915 en Turquía, a Irak y Afganistán, a las pinturas negras de Goya y al simbolismo pictórico de la Guerra Civil de Salvador Dalí. El resultado: otro disco sobrecogedor, fantasmagórico, tétrico, absolutamente distinto y perfecto sobre el comportamiento cíclico de los humanos que les lleva a luchar y a estar en conflicto permanente. Desde el inicio del disco con la homónima “Let England Shake” PJ dibuja con imágenes ultraviolentas –“soldados que caen como cachos de carne”– cantadas con una voz tenebrosamente feliz un campo de batalla lleno de sangre y sumido en tinieblas eternas. PJ se convierte en una trovadora que entona las calamidades de la guerra, una juglar que iría trotando de ciudad en ciudad musicando historias atroces que son los doce cortes de su álbum. La música es etérea, la voz enérgica, los versos brutales: en ellos está toda la importancia, oscuridad trascendencia y grandeza de este disco. Marta Hurtado de Mendoza | Publicación original

3. Rustie: “Glass Swords” (Warp)


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La colección de ideas por minuto que ofrece “Glass Swords” es difícil de encontrar en cualquier otro disco que funcione en esas intersecciones entre (a escoger) el boogie, el hip hop, el post-dubstep, el sonido de videojuegos y/o la IDM. Hay álbumes muy buenos ahí fuera, pero el de Rustie los embute a todos en uno solo, en poco más de 40 minutos, con una voracidad implacable y sin parecer nunca apresurado. Eso es lo milagroso: las ideas se suceden con ansia bulímica, las engulle y las metaboliza sin haber podido reaccionar y tras un giro inesperado viene otro, pero nunca se tiene la sensación –como ocurría antes con sus propios beats– de estar siendo maltradado mentalmente, de estar sufriendo una violación a través del oído. Ahí está expuesto, al desnudo, todo su talento: sintes clintonianos –y clitoridianos– y melodías propias de Hall & Oates, beats selváticos, incursiones en el ghetto-tech con voces de ardilla y sintes rampantes, híbridos entre trance épico y boogie extra-brillante, crunk expresionista y así hasta llegar a “Crystal Echo”, donde todo, de una manera muy natural, y sin querer abusar más de la paciencia del oyente –que ha sido forzada hasta justo el límite que separa el placer del dolor–. JB


2. Erik Urano & Zar 1: “Energía Libre” (autoeditado)



Erik Urano y Zar 1, ambos miembros de Urano Players, entregan catorce cortes de hip hop subterráneo, sintético y radioactivo que ahondan la brecha que separa su propuesta renovadora de la del pelotón del rap “made in Spain”. Zar 1 y DJ Porre se ocupan de forma magistral de edificar ritmos, frecuencias espaciales, sintes en órbita y scracthes tóxicos (a veces enfocados hacia un nuevo boom bap, otras más cercanos a la deformidad wonky y al beatmaking de formas abstractas de escuela angelina). Erik saca azufre y colores de la maquinaria escrita, construyendo un manual de supervivencia urbana (crónicas de realidad cotidiana y comentario social encriptadas a base de metáforas complejas y referencias cruzadas, ejercicios líricos alrededor de la vida urbana, sus tropiezos y sus pequeñas victorias, episodios de autoafirmación y autoconocimiento necesarios para sobrellevar el día a día en medio de un mundo que hace aguas) y evasión de resonancias cósmicas que entronca con “Voyager Rock's”, dilatando su ya larga sombra con nuevas dosis de actitud e ideología. El sol vuelve a girar alrededor de Urano. Luis M. Rguez


1. The Weeknd: “House Of Balloons” (Self-Released) 

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1. Drake: “Take Care” (Young Money Entertainment)

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“Thank Me Later” mostraba una dirección musical dispersa, demasiado obsesionada con la idea de consenso, y fragmentaba en exceso el recorrido entre aquellos momentos de exaltación eufórica y los episodios más introspectivos y sombríos. Ese eclecticismo mal aplicado acababa contaminando parte del camino de Drake y le restaba convicción a su propuesta, ensalzando con mucha fogosidad cuatro o cinco hits incontestables pero dejando de lado muchos minutos de relleno que el paso de los días ha acabado olvidando con facilidad. “Take Care” corrige ese problema con un concienzudo y elaborado trabajo de producción que busca más unidad estética y emocional y, también, muy importante, más cohesión con el contenido lírico de las canciones para sentar las bases de un sonido renovado, sutil, de irresistible melancolía noctámbula y urbana, que pueda capturar con la máxima fidelidad posible la intensificación emocional de sus nuevas rimas. La presencia de The Weeknd en “Crew Love” presagiaba el cambio. Y una parte de “Take Care” viene a confirmar que el autor de “House Of Balloons” es una influencia más que puntual, se diría que incluso fundamental, en la configuración general de este disco. DB


¿Existe el R&B indie? En cierto modo, los primeros maxis de Junior Boys lo eran –mezclaban una sensibilidad synth-pop romántica con beats al estilo Timbaland–, y esta mixtape de The Weeknd trae recuerdos y emociones similares a los de “High Come Down”. Primero, los responsables de las canciones también son canadienses y prefieren mantener un aura de misterio. Porque una razón importante del revuelo que han causado The Weeknd en la red está precisamente en eso, en la incógnita de su identidad. La mecha la encendió Drake vía Twitter, al escribir letras de canciones como “Wicked Games” y colgar audios en su web. Se sospechó que The Weeknd podía ser un proyecto paralelo de alguno de sus productores, pero no hay tal cosa: sólo admiración sincera por un songwriting estratosférico y una producción que se sitúa en un intervalo a medio camino entre el R&B hi-tech y el pop vaporoso con influencias de la música negra; es decir, exactamente en el punto de equilibrio entre The-Dream y How To Dress Well. ¿Por qué es fan Drake de The Weeknd? Porque ve en él a quien fue antes de dar el salto al mainstream: un cantante notable –Abel Tesfaye no rapea, sólo emite gorgoritos– y que no tiene miedo en expresar sus debilidades, deseos y miedos en letras que son como entradas de un diario personal. Este “House Of Balloons” es algo demasiado especial para ser ignorado o manchado. Ninguna canción sobresale por encima de las demás y todas van sobradas de calidad. Otra estrella ha nacido, internet ha sido su caldo de cultivo, pero de The Weeknd no se va a reír nadie. Más bien conseguirá, con tiempo, con suerte y sin apremios, que nos postremos ante él. JB | Publicación original

domingo, 8 de enero de 2012

Confirmaciones del Festival Tanned Tin (II)


Fiel a sus ideales y propósitos musicales la organización del Tanned Tin nos avanza otra tanda más de artistas que estarán en su decimotercera edición, la que tendrá lugar los días 2, 3 y 4 de febrero de 2012 en el Teatre Principal de Castelló. También confirman los artistas para el jueves día 2: abrirán el festival Greg Trooper, Laetitia Sadier (ex Stereolab), Nacho Vegas, Standstill, Tim Hecker, Triángulo de Amor Bizarro y Austin TV.
Tras días de música, primer concierto de MAIN en España, “rescate” de clásicos como The Orchids, nuevos grupos, muchos de ellos completamente desconocidos, representación nacional e internacional, folk, pop, experimentalismo, acústica, noise, punk, electrónica... Y todo esto, en distancias cortas. Quien no arriesga no gana. Y llevan ganando ya varios años.
Empezamos un nuevo repaso:
Austin TV | FacebookMyspace | Grooveshark | Spotify
Como confirma la organización, será la primera banda hispanoamericana en actuar en el festival. Desde México aportarán sesiones instrumentales, cargadas de sintetizadores y diversa quincalla, en una propuesta más que interesante, más aún sabiendo que han pasado ya por Coachella y SXSW, entre otros, y han tocado junto a John Cale, Mogwai, o Yo la Tengo.
Austin TV, Shiva
Maestría lo-fi y capas de sonido. Cuarteto alemán de electro-folk que no se prodiga mucho en publicar material -3 álbumes en 11 años-.
Like A Stuntman, Yesterday Euphoria "YOY" 2011
MAIN | Myspace | Grooveshark | Spotify
Proyecto de los ’90, liderado por Robert Hampson -ex Loop- donde da rienda suelta a sus instintos. Electrónica, sonidos espectrales y lo-fi, post-punk puro de principios de los ’90 rescatado y a punto para la cita.
MAIN - There Is Only Light, "Hydra-Calm" 1992
Mursego | FacebookMyspace | Grooveshark | Spotify
Maite Arroitajauregi es una habitual colaboradora de algunas bandas de su tierra, como Anari y Lisabö. Desde 2010 ha dado forma a Mursego, donde da rienda suelta a sus habilidades, que no son pocas: voces -en diversos idiomas-, multiinstrumentación,  arreglos, etc. Rap y ritmos balcánicos, country y clasicismo. Todo aptitudes.
Mursego - Zuek zarete za! (Live)

El eclécticismo es ese modo de juzgar o actuar desde una postura intermedia, sin adoptar extremismos. Eso es lo que aplica Norman Palm al pop: que si versiones de The Cure y Cyndi Lauper -con mucho éxito en Youtube-, que si sonidos de los ’80, desviaciones a la electrónica, lirismo, voz afeminada... A todo ello suma su condición de artista gráfico -podeis ver más en su web-, y el reconocimiento de gente como Bill Callahan.
Norman Palm - Shore to Shore, "City Slang" 2010

Oh! Pears | BandcampMyspace | Grooveshark | Spotify
Entrar en el Bandcamp de Oh! Pears y encontrarse con una canción que se titula “Tchaikovsky” parece una revelación. Corey Duncan es quien se esconde tras Oh! Pears, artista en el arte de trabar indie-pop con música clásica y de orquesta. Elegancia y naturalidad.


Pete Dale | Myspace | Grooveshark | Spotify
Veterano del underground, responsable de Slampt Records, miembro satélite de bandas como Milky Wimpshake y Red Monkey y eterno activista intelectual. Ahora, junto a The Beta Males -colegas de The Futureheads y Spraydog- continúa con letras reivindicativas, historias folk de nuestro tiempo, aunque siga recordando a otro Pete, salvando las distancias, Pete Seeger.
Milky Wimpshake - Pearshaped, "Popshaped" 2006
Otra apetecible ración de folk desenchufado, o deberíamos decir anti-folk. Guardando el equilibrio entre la inocencia de su cara y el cinismo de sus historias la neoyorquina nos habla de las esperanzas en el amor, de literatura clásica, de la tradición americana o de los entresijos dentro del mundo del rock. Cómica y directa, sarcasmo a más no poder.
Phoebe Kreutz - The Ballad of Throat Culture (Live)

Tan solo tenemos dos singles, pero son suficientes para comprobar que este juvenil quinteto de Londres hace pop, del puro, reflejado en estribillos empalagosos como su nombre y canciones que huelen a verano.
The History of Apple Pie - Mallory "Mallory/Shelf Life" 2011
Jordi Herrera -cantante y guitarrista de Satellites- se disfraza de este personaje de cuento para narrar cuentos post-modernos en clave de folk de ensueño y pop de orquesta. Acompañado de entre 2 y 8 personas, sus conciertos apuestan por el intimismo y el sonido acústico.

El ex-guitarrista de The Moldy Peaches y reconocido ilustrador parece sufrir una incontinencia creativa. 14 álbumes en cinco años, bagaje más que suficiente para labrarse una imagen como icono del movimiento anti-folk. Canciones ásperas, semi-acústicas y surrealistas, deprimentes pero cargadas de humor.

Triángulo de Amor Bizarro | FacebookMyspace | Grooveshark | Spotify
Repiten los gallegos, pues aseguran que lo del año pasado fue un flechazo. Tras consagrarse con “Año Santo” (2010) han girado por el extranjero y España hasta la saciedad, con perfectas dosis de post-punk. Oscurantimo, crudismo y noise patrio en una de nuestras mejores bandas del momento. 
Triángulo de Amor Bizarro - Amigos del género humano "Año Santo" 2010
Za! | Bandcamp | Facebook | BandcampMyspace | Grooveshark | Spotify
Aún se mantiene en nuestra memoria la actuación del dúo catalán en el pasado Primavera Sound bajo un sol infernal. Experimentalismo, mestizaje, sudor y espasmos, ruidos que se vuelven estribillos. Para no perderselos. “Putosza”... -como reza su myspace-.


Más información | Tanned Tin Web | Facebook | Twitter
Actualmente los precios de las entradas son: 
Entrada de día para el jueves 2 de febrero: 30 euros + gastos de gestión (hasta el 2 de febrero, que pasarán a costar 40 €, el mismo precio que tendrán en taquilla).
Entrada de día para viernes 3 y sábado 4 de febrero: 30 euros/día + gastos de gestión (el 15 de enero pasarán a costar 40 euros/día y el 3 de febrero 50 euros/día, el precio final que tendrán en taquilla)
Abono 3 días: 89,99 euros + gastos de gestión, hasta fin de existencias. Las entradas anticipadas para el viernes 3 y el sábado 4 de febrero también están ya a la venta a 30 euros; el 15 de enero pasarán a costar 40 euros y el 3 de febrero 50, el precio final que tendrán en taquilla. 

Wilco | Improvisando con Mavis Staples

Wilco ha permitido que nos colemos en su camerino poco antes de actuar en el Civic Opera House de Chicago, su ciudad natal -hace unos días os contabamos que estuviron cinco noches llenando teatros-. Gracias a Zoran Orlic, fotografo de la banda, podemos disfrutar de esta especie de ensayo o improvisación del tema “The Weight” con la tremenda voz de la cantante de gospel y soul Mavis Staples. Sí, el canoso de gafotas de su izquierda es Nick Lowe.
A parte, la banda de Tweedy también a estrenado otro vídeo, cortesía de los hijos de Jeff, y que da cuerpo a la canción que da título a su álbum del año pasado: "The Whole Love". Podeis verlo aquí

SBTRKT | Live Lounge BBC Radio 1

Dos sesiones que nos regala SBTRKT a través de Live Lounge BBC Radio 1: "Hold On", extraído de su sobresaliente LP de debut y una versión de "Blue Cassette", tema original de Friendly Fires (“Pala” 2011).


Goldfrapp | Nuevo disco, vuelve el glamour



Vuelve el glamour de Goldfrapp. "The Singles" (2012), el que será el sexto disco de Alison Goldfrapp y Will Gregory, está a punto de salir, de hecho acaban de presentar el primer single Melancholy Sky, una balada donde parecen recuperar el sonido de “Felt Mountain” (2000), su álbum debut, donde primaban las canciones suaves, cabareteras y melancolicas. Ante todo parece un desmarque de sus discos más recientes -caso de “Head Firts” (2010), un álbum publicado el mismo año pasado, que apenas ha trascendido- donde trillaron los ritmos ochenteros y se volcaron en la música disco.
Goldfrapp - Melancholy Sky, "The Singles" 2012


martes, 3 de enero de 2012

Cat Power | Casi listo el nuevo disco de Chan Marshall


Llevabamos tiempo queriendo hablar de ella, Chan Marshall, después de seis años agazapada sin publicar material nuevo. Al parecer Cat Power tiene todo listo para su nuevo álbum, trabajado al detalle por ella misma, desde las letras, como venía siendo habitual, a la instrumentación, encargándose de cada uno de los instrumentos.

No se saben muchos más detalles del disco. Será su noveno álbum y solo nos adelantó un single, "King Rides By", aprovechando la Nochebuena, y destinando lo recaudado a fines benéficos (0,99 $ la canción y pueden hacerse donaciones a Festival of Children Foundation y The Ali Forney Center).


Cat Power - "King Rides By" 2011 (featuring Manny Pacquiao)

Cancións por regalos




La Asociación Iniciativa Social Berce y Ernie Producciones reunirán este martes na Cidade da Cultura compostelana a 5 artistas en “Cancións por Regalos”. Todo, con un buen fin, y muy navideño: música en directo y recolecta de juguetes para los más pequeños. ¿La entrada? Un juguete. Los que se acerquen a Gaiás podrán disfrutar de Mehnai, Abraham Boba, La Familia, Jane Joyd y Alondra Bentley por el módico "precio" de un juguete, un libro, ropa, etc.


lunes, 2 de enero de 2012

Confirmaciones del Festival Tanned Tin



Uno de esos festivales que os decimos que pueden pasar desapercibidos, pero que año tras año son capaces de conformar un auténtico cartelón es el Tanned Tin. Con base también la Comunidad Valenciana se celebrará en el Teatre Principal de Castelló entre el 2 y el 5 de febrero.

Tras el silencio de Acuarela Discos, los organizadores el festival, todos temimos por su decimotercera edición (séptima en Castelló). Pero ya no hay marcha atrás, todo ha echado a rodar. Entre las primeras confirmaciones nos topamos con bandas de culto que la organización "rescata" para el evento, nuevas promesas del pop independiente, americana, folk, música electrónica y experimental, y un largo etcétera. Hasta 30 artistas acabarán por confirmar el cartel de este año.
Repasamos a los primeros invitados:


Amor de Días Myspace | Grooveshark | Spotify
Alasdair MacLean y Lupe Núñez-Fernández se unieron en 2008 para dar forma a un pop de cámara con matices que van desde la psicodelia a la bossa nova o el folk, encajando perfectamente buenas melodías y cuidadas instrumentaciones.


Dead Western Myspace | Grooveshark | Spotify
Troy Mighty traba folk y slowcore en una perfecta escenificación, perpretado en su grave voz más propia de un crooner que de un folky.

Fair Ohs Myspace | Grooveshark | Spotify
Este trío londinense apuesta por el noise pop de tintes surferos, combinándolo con ritmos funk que invitan al baile. Una de esas promesas de las que nos acordaremos dentro de un par de años...

Greg Trooper | Myspace | Grooveshark | Spotify
Solidez y letras maduras del veterano cantautor country Greg Trooper. Sonido Nashville con reminescencias folk. Americana pura.

Kites Myspace | Grooveshark | Spotify
El artista Chris Forgues es el motor de este proyecto de noise y folk psicodélico. A sus espaldas encontramos arte, comics, decenas de grabaciones, tres álbumes, colaboraciones con Fort Thunder y un disco junto a Prurient donde deja de manifiesto su incontinencia creativa. Como Kites da uso a la electrónica domestica, arropandola con elementos acusticos y música tradicional.


Laetitia Sadier (Stereolab) | Myspace | Grooveshark | Spotify
Después de más de 20 años compartidos con Steroalab y Monade la francesa Laetitia Sadier ha dado un paso al frente con su propio proyecto de dream-pop. Tras algunas colaboraciones -como la que hace en el álbum de Atlas Sound "Logos" ()- ha iniciado su viaje; "The Trip" (2010) es su carta de presentación, una colección de canciones tan dulces y sutiles como su propia voz. Con evidentes recuerdos a Stereolab, esencialmente en el apartado instrumental, nos entrega un magnífico tratado de pop de cámara, tan acogedor y sensual como ella misma.



La belle Laetitia
Nacho Vegas | Myspace | Grooveshark | Spotify
Sobran las presentaciones. El gijonés sigue escribiendo álbumes para la historia del indie nacional. Este año  -estrenando Marxophone- nos ha obsequiado con dos trabajos de notable alto; el álbum "La Zona Sucia" y el EP "Como hacer crac".

Nat Baldwin (Dirty Projectors / Myspace) | Myspace | Grooveshark | Spotify
El que fuera bajista de Dirty Projectors continúa engrosando su discografía tras años de colaboraciones y trabajos en solitario. "People Changes" (2011) es su última baza, un álbum grabado "a lo Bon Iver" -en una perdida cabaña de Maine- que escarba en el lirismo y el pop más tradicionalista.

Papercuts Myspace | Grooveshark | Spotify
Jason Quever comenzó su proyecto con espíritu folky pero ha acabado por derivar al pop de los '60 y a las sombras de Beach House y Grizzly Bear.

Patterns Myspace | Grooveshark | Spotify
Hay algo más que una mera similitud entre la voz de Neil Tennant y Morrisey. Patterns, desde Portland, suenan épicos en medio de guitarras relucientes y letras de efectos pop.

Standstill Myspace | Grooveshark | Spotify
De su nacimiento y escarceos con el hardcore, allá por 1997, a la firma de enormes trabajos como "Vivalaguerra" (2006) o "Adelante Bonaparte" (2010), Standstill ha conseguido crear un sonido característico. En Castelló se presentarán con su espectáculo "Rooom" donde añaden imagen para acabar de redondear sus historias.

"Rooom", espectáculo Standstill

The 99 Call Myspace | Grooveshark | Spotify | Youtube
Banda británica de pop y lirismo, de pausas dulces y canciones cronometradas a manos de por Paul Anderson (ex-Tram) y Clive Painter (ex - Broken Dog).

The Black Swans | Myspace | Grooveshark | Spotify
El fallecimiento en 2008 de Noel Sayre -violinista de la banda- paralizó la actividad de la banda y dejó estancado hasta este mismo año "Don't Blame the Stars" (2011). Cuerdas y dulces coros, y la voz cansada de Jerry DeCicca, visten de country unas canciones cargadas de humor negro.

The Gold Leaves Myspace | Grooveshark | Spotify (Grant Olsen)
El nuevo proyecto de Grant Olsen respira folk-pop por los cuatro costados. Ayudado en la instrumentación por Jason Quever (Papercut -del que hablamos más arriba-) Olsen sigue encadenando dulces melodías y suaves canciones.

The Orchids Myspace | Grooveshark | Spotify
The Orchids fueron cabecillas del indie pop hace 20 años. Hoy, refundados, y rescatados gracias al sello español Siesta,  tratan de recuperar su status, sin perder ápice de su personalidad.

Tim Hecker Myspace | Grooveshark | Spotify
El canadiense Tim Hecker, amigo de lo etéreo, exprime teclados y efectos electrónicos hasta elaborar pequeñas punzadas de post-rock a base de sonidos inquietantes y deformes. En su biografía aparecen etiquetas que tratan de definir su música tan pintorescas como “ambient estructurado”, “placas de color tectónico” o “música electrónica de catedral”.

Zun Zun Egui Myspace | Grooveshark | Spotify
Exótica banda británica de jazz, funk, ritmos tribales, psicodelia y jerigonza -no nos queda muy claro si cantan en inglés-. Plurilingües y multiculturales, el cuarteto de Bristol aúna rudeza e ímpetu.

Zun Zun Egui, extrañas parejas.